SESSÃO ECOARTE - CINEMA CUBANO

DIA 3 DE JANEIRO,SEXTA-FEIRA, 18 HORAS

ESPAÇO ECOARTE / SÃO PEDRO DA SERRA

MAESTRA(2013)

Documentário dirigido por Catherine Murphy, sobre a Campanha de Alfabetização Cubana de 1961.Neste ano, mais de 250.000 cubanos aderiram à Campanha e ensinaram mais de 707.000 outros cubanos a ler e escrever. Quase metade desses professores voluntários tinha menos de 18 anos. Mais da metade eram mulheres.

Em 1961, mais de 250.000 cubanos aderiram à Campanha Nacional de Alfabetização de seu país e ensinaram mais de 707.000 outros cubanos a ler e escrever. Quase metade desses professores voluntários tinha menos de 18 anos. Mais da metade eram mulheres.

O filme, narrado pela autora vencedora do Prêmio Pulitzer, Alice Walker, explora as experiências de nove das mulheres que, quando jovens, ajudaram a erradicar o analfabetismo cubano em um ano. Entrelaçando entrevistas recentes, imagens de arquivo e fotos de campanhas, este documentário inclui uma das primeiras cubanas de sua geração a se chamar feminista e um dos primeiros membros abertamente orgulhosos da comunidade LGBT de Cuba.

*Seleção oficial no Festival Internacional de Cinema Latino de Los Angeles e no Festival de Cinema Latino de San Francisco

SUÍTE HABANA (2003)

Dirigido pelo cineasta Fernando Pérez, o longa é uma mistura de ficção e documentário que tem como temática a cidade de Havana, onde o diretor se utiliza de pequenos fragmentos do cotidiano de dez pessoas comuns.

No filme, uma diversidade de rostos e lugares locais misturam-se às histórias de várias figuras anônimas. Cada uma das pessoas representa a curiosa multiplicidade dos grupos sociais que vivem hoje em Havana. Os dez personagens reais representam as suas próprias vidas sem entrevistas, diálogos ou narração. Um jovem bailarino, uma senhora vendedora de amendoins, uma criança com síndrome de Down, um médico que sonha em ser ator, entre outros.

Mesmo lançado em 2003, o filme ainda prima pela atualidade.

No final, cada um dos protagonistas é apresentado com seu nome, idade e sonhos, num panorama da cidade onde um dia é sempre igual ao outro, com alguma diferença. As profissões, os costumes, os ritos e as idiossincrasias de um povo que exibe alegria, apesar de todos os problemas.

* Suite Habana ganhou dois Kikitos de Ouro no Festival de Gramado: Prêmio Especial do Júri e Prêmio da Crítica. Prêmio SIGNIS, no Festival de San Sebastián, Espanha; Melhor Trilha Sonora no Festival de Trieste; e doze prêmios no Festival de Havana: Filme, Diretor, Trilha Sonora, Som, Pôster, Associação de Imprensa de Cuba, El Mégano, FIPRESCI, Glauber Rocha - Menção Especial, Martin Luther King, Memoria Documentary e Círculo Cultural UPEC.

DIA 4 DE JANEIRO,SÁBADO, 19 HORAS

EUTERPE LUMIARENSE

BLOQUEIO CONTRA CUBA

2019;Comitê Carioca de Solidariedade a Cuba ;22 min.

Este vídeo mostra as agressões que Cuba vem sofrendo por parte dos EUA desde o início de sua Revolução. Mostra também a firmeza e a determinação do povo cubano em não se render às pressões exercidas pela maior potência econômica e militar do planeta em todos os tempos. Há mais de cinco décadas o país vem sendo obrigado a suportar o maior bloqueio já exercido sobre qualquer país na história da humanidade - somando-se a isso diversos ataques terroristas e atos de sabotagem que visam destruir seus meios de produção com vista a causar-lhe escassez de alimentos e outros recursos. No entanto, Cuba dá um exemplo para a toda a humanidade de que é possível resistir vitoriosamente a toda essa monstruosa agressão imperialista quando um povo está dotado de consciência política, determinação de luta e organização.

DIA 5 DE JANEIRO,DOMINGO, 18 HORAS

ESPAÇO ECOARTE / SÃO PEDRO DA SERRA

DIREITOS EM REVOLUÇÃO (DERECHOS EM REVOLUCIÓN)

2019;Associação Cubana das Nações Unidas;Dir:Karen Brito; 47 min.

Filme mostra os direitos humanos que os cubanos possuem desde o triunfo da Revolução Cubana em 1959 com imagens e depoimentos dos próprios detentores destes direitos em cenários reais mostrando a vida comum em Cuba.

A VOZ DA INOCÊNCIA

2019 ; Produção:Resumen Latino-americano –Cuba Syara Salado Massip e Victor Villalba Gutierréz ;40 min.

Como a Revolução Cubana a partir de 1959 coloca em prática uma política integral e universal para proteger os direitos das crianças desde sua concepção.

JANEIRO- MÊS DO CINEMA BRASILEIRO

Os recentes ataques do governo federal ao cinema brasileiro com a retirada de cartazes de filmes da sede da ANCINE, foi um ato de violência simbólica que necessita de uma reação também simbólica, no mínimo. O movimento cineclubista tem na sua simbologia de origem ,a difusão do conhecimento e também a prática da resistência e da ação.

Por isso, no mês de janeiro,o Lumière dedicará a sua programação na Euterpe Lumiarense a exibição de filmes brasileiros, as terças e aos sábados.

Filmes de momentos distintos do cinema nacional indicados por várias pessoas que contribuem para a diversidade da programação e para a continuidade da prática histórica do cineclubismo. Assim , a cada sessão agregamos pessoas ,compartilhamos idéias sobre cinema e visões do mundo projetado na tela para aperfeiçoarmos o pensamento critico e a prática democrática .
Todas as nossas exibições são gratuitas !

Deslembro (Flávia Castro,2018)

CICLO DE FILMES "GRANDES DIRETORES" - FRANÇOIS TRUFFAUT- O Homem Que Amava as Mulheres(1977)

Indicação, apresentação do filme e texto: Joaquim Ferreira

O HOMEM QUE AMAVA AS MULHERES (1977) (L'homme qui aimait les femmes ) 120min
 ROTEIRO: Michel Fermaud, Suzanne Schiffman, François Truffaut
Elenco: : Charles Denner, Brigitte Fossey, Nelly Borgeaud, Geneviève Fontanel, Leslie Caron, Nathalie Baye, Valérie Bonnier, Jean Dasté, Sabine Glaser, Henri Agel, Chantal Balussou, Nella Barbier, Anne Bataille, Martine Chassaing, Ghylaine Dumas, Monique Dury, Michele Gonsalvez, Sabine Guillemin 

Se Hollywood resolvesse fazer hoje um "remake" de "O Homem que Amava as Mulheres" (...)  é provável que transformasse a pequena obra-prima num thriller ou retrato de um obcecado, vítima de uma disfunção psíquica qualquer, recém-diagnosticada pela nova medicina e passível de tratamento com as drogas mais avançadas no mercado(...) Para felicidade do espectador, é improvável que isso aconteça, ainda mais porque a versão original já é uma terapia no meio de tanto lixo cinematográfico, um dos filmes de Truffaut que só tem a ganhar com o tempo, ao ser contraposto à crescente tendência de patologizar qualquer desvio no mundo funcional e politicamente correto de hoje. (..) Para ele, o desejo é assumido como prioridade. Mais que um sedutor, ele é um ser que depende das mulheres para viver, e que reconhece essa necessidade na sua relação com elas.  [1]

O filme narra os encontros e relações amorosas e o comportamento  de Bertrand Morane, interpretado por Charles Denner, desde sua primeira relação sexual, ainda jovem, até sua fase atual no filme ,na faixa dos 40 anos. 

 A história tem início no funeral  do próprio protagonista funcionando como uma espécie de memórias póstumas através de sua  obsessão pelas mulheres  a partir da biografia deixada por ele.Nele,  somente mulheres marcam presença . Elas chegam de todos os lugares e  o  importante é velar o corpo daquele que as deu alguns momentos de prazer e felicidade. Uma  das mulheres inicia  uma narração  sobre a vida de Bertrand. O amor presente no título se refere a adoração pela diversidade de tudo o que é feminino.,  uma reverência as mulheres que chega a ser assustadora  por certa   objetificação da mulher feita por Bertrand. Um certo feminismo afoito censurou essa adoração à mulher como uma forma disfarçada e insidiosa de machismo.Porém, no seu amor pelas mulheres não percebo machismo ou narcisismo. Percebo exatamente o contrário: um filme que a ironiza ao machismo e busca o equilíbrio entre as relações do homem e da mulher.

          Quando realizou "O Homem Que Amava as Mulheres", em 1977, François Truffaut estava em uma fase de sua vida em que a morte lhe aparecia como personagem incondicional de sua criação. Foi nesse período  dos anos 1970 que realizou alguns de seus filmes mais sombrios  como "A História de Adèle H" (1975), por exemplo. E  para mim,  é  um dos mais pessoais do diretor e coerente com sua linha filmográfica.   

" Só mesmo um diretor genial como François Truffaut para transformar um tema que causa repulsa nas mulheres, a promiscuidade masculina, numa história bem aprazível, que arranca uma série de gargalhadas e ainda gera muitas reflexões acerca do sentido da vida. Não apenas isso, as mulheres assumem um papel de objeto na narrativa, tornando-se marionetes na mão do protagonista, o que potencializa ainda mais o viés machista desta obra, mas trato essa característica como um dos objetivos do filme em tela: satirizar o machismo. Utilizando toda a liberdade linguística, visual e criativa que a “Nouvelle Vague” francesa proporcionou, Truffaut produziu um filme marcado pela sinceridade de seus personagens, num contexto no qual eles assumem suas condições e posições sem nenhum pudor e, se porventura enganam a alguém, esse alguém são eles mesmos." (ZUMBA;2017)  

Mas como se identificar com um personagem, à primeira vista, tão raso e ,de certa forma, repulsivo? O  que fez Bertrand assumir essa forma de viver? 

Uma patologia psíquica é a primeira razão que vem à cabeça. Porém , com o desenrolar dos fatos, vemos que a sua  vida desde a infância o levaram àquela condição. 

No fundo, Bertrand   era um homem solitário, um homem que não cresceu, um bebê adulto à procura de atenção.  Em um ponto específico da narrativa ouvimos  Bertrand afirmar que  A criança sou eu ,  mostrando que o personagem não quer crescer e   dar o próximo passo  que seria, de fato, uma relação verdadeiramente romântica, o amor.  Truffaut mostra traços da evolução do personagem – infância e adolescência fizeram dele o que ele é hoje. Ele lembra da prostituta que andava depressa para confundir os clientes em potencial. Um corte que mantém o mesmo movimento da câmera mostra sua mãe, também andando depressa. O toque consiste em fazer que a prostituta e a mãe fossem representadas pela mesma atriz. Está é  uma  das  chaves para a compreensão do personagem masculino que, contudo, não justificaria os seus atos que, em muitas vezes, levava suas “vítimas” ao sofrimento .A postura de Bertrand pode inferir comportamentos desviantes  de violência sexual ou afins .Mas há uma cena marcante e esclarecedora que dilui  qualquer tensão referente a esses possíveis aspectos . É o momento que  Bertrand pede para trocar a descrição do vestido da menina de 9 anos de vermelho para azul no texto do seu livro : seria a única peça ficcional de seu livro .Proteger a menina foi  absolutamente sensível ,cuidadosa e explicativo: foi genial.

Outra chave compreensiva importante é a revelação que  Bertand faz  de  sua  desilusão amorosa ao revelar para a sua editora  Geneviève ( Brigitte Fossey)  que  Vera (Leslie Caron)  foi  o seu grande amor. Geneviève , que é a narradora na  cena inicial  do enterro,  é sua grande crítica, em grande parte confidente  e a única mulher que Bertrand se envolveu não tomando a iniciativa da conquista. Geneviève , a meu ver, é  a nova mulher que  Truffaut quer destacar .

Nesse sentido, destaco um trecho dos diálogos entre Bertrand e Geneviève :

Geneviève  diz: - Sabe como vejo seu livro? Como um testemunho do que foram as relações entre homem e mulher...no século XX.Você percebe como tudo isso está mudando?

No que Bertrand   responde: - Sim, sim, talvez. Mas não tenho certeza de... digamos que o tipo "companheiros" não me faz a cabeça.Até agora havia no amor uma parte de jogo que... enfim, acho indispensável.

- Mas sempre haverá a parte do jogo, simplesmente estamos mudando as regras desse jogo. E o que vai desaparecer primeiro são as relações de força..Vamos continuar jogando, mas de igual para igual. completa a editora.

E Bertrand conclui: : -Talvez, talvez. Para dizer a verdade, não tenho idéias precisas sobre isso, aliás, acho que estou mudando.

- Bravo! Mas não mude demais, conclui Geneviève.

A    morte trágica de Bertrand no filme  encena e representa simbolicamente   o fim do homem do século XX. Sai o "Garanhão" e eterniza-se em livro,  referencia fundamental na obra de Truffaut,  "O Homem Que Amava as Mulheres", a plenitude do masculino equilibrado com a complexidade do feminino.

Truffaut , ao longo de sua carreira,   foi coerente  ao exibir em s seus filmes   vínculos e referencias de vida  de formação : o cinema, os livros, a infância e as mulheres.  Tal  princípio  lhe garantiu uma  simpatia parecida à que provoca o protagonista Bertrand : "   François Truffaut   passou a imagem de quem fazia cinema como se sua vida dependesse disso.(...)  Em "O Homem que Amava as Mulheres", Truffaut tira o amor da sua normalidade coletiva esvaziada para transformá-lo em arte pela radicalidade de uma expressão individual e excêntrica. 

NOTAS

[1]https://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq2109200118.htm

[2] O homem que amava as mulheres(1977). Disponível em https://cineminhazumbacana.wordpress.com/2017/05/20/o-homem-que-amava-as-mulheres-1977

[3] https://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq2109200118.htm

O Barato de Grace ( Nigel Cole;2000)

Lumière:Conheça o grupo de cineclubistas que promove a sétima arte em Lumiar

Portal Multiplix - Lumière:Conheça o grupo de cineclubistas que promove a sétima arte em Lumiar

Já pensou em juntar um grupo de amigos com gostos e opiniões parecidos e construir um clube? Essa é a história do Lumière – Loucos por Cinema. O grupo cineclubista foi criado em Nova Friburgo, na Região Serrana do Rio, e, há três anos, realiza encontros para compartilhar o interesse pela sétima arte.

“Os cineclubes são espaços democráticos que promovem a reflexão à realidade, facilitando o acesso a diversos filmes e cinematografias, e valorizando a experiência da divulgação e da exibição”, explica Joaquim Ferreira, que é um dos fundadores do grupo.

O nome do clube traz referência ao sobrenome de duas pessoas importantíssimas na história do cinema: os irmãos Lumière, que em 1895 realizaram a primeira projeção cinematográfica do mundo, na França. Além disso, a referência também brinca com o nome de Lumiar, distrito de Nova Friburgo em que está localizado o clube.

Uma curadoria coletiva feita a partir de indicações pessoais de integrantes do clube é a forma de escolha das obras a serem transmitidas, toda semana.

“Ao criarmos o grupo consideramos que o cinema une e reforça laços de amizade, tolerância e companheirismo. Esta tem sido nossa prática: a cada sessão, a cada filme exibido agregamos pessoas e compartilhamos opiniões sobre cinema, sobre o mundo projetado na tela para o aperfeiçoamento do pensamento crítico e da prática democrática”, completa Joaquim.

Filmes exibidos pelo cineclube são escolhidos pelos integrantesFilmes exibidos pelo cineclube são escolhidos pelos integrantes.

O grupo cineclubista aceita a participação de novos integrantes e, para participar, basta começar a frequentar as reuniões do grupo.

“Realizamos sessões aos sábados e, desde agosto, também às terças-feiras, incorporando na nossa programação o projeto Ciclo de Filmes "Grandes Diretores". O ciclo atual é dedicado ao diretor francês François Truffaut . As sessões são realizadas na sede da Sociedade Musical Euterpe Lumiarense. Promovemos, também, sessões no Espaço Ecoarte, em São Pedro da Serra, às sextas-feiras, pelo menos uma vez por mês. Todas as nossas exibições são gratuitas”, finaliza.

CICLO DE FILMES "GRANDES DIRETORES" - FRANÇOIS TRUFFAUT- A Noite Americana (1973)

Indicação, apresentação do filme e texto: Joaquim Ferreira

A NOITE AMERICANA(1973)  (La nuit américaine) [1] 

Elenco: François Truffaut, Jacqueline Bisset, Valentina Cortese, Jean-Pierre Aumont, Jean-Pierre Léaud, Jean Champion, Alexandra Stewart, Nathalie Baye, Graham Greene, David Markham

Roteiro: François Truffaut, Jean-Louis Richard, Suzanne Schiffman .Duração: 115 min.

PRINCIPAIS PRÊMIOS E INDICAÇÕES

Oscar 1974 (Estados Unidos):Venceu na categoria de melhor filme estrangeiro.

Oscar 1975 (Estados Unidos): Indicado na categoria de melhor atriz coadjuvante (Valentina Cortese), melhor diretor e melhor roteiro original.

BAFTA 1974 (Reino Unido):Venceu nas categorias de melhor direção, melhor filme e melhor atriz coadjuvante (Valentina Cortese).

Globo de Ouro 1974 (Estados Unidos):Indicado nas categorias de melhor filme estrangeiro e melhor atriz coadjuvante (Valentina Cortese).

Prêmio NYFCC 1974 (Estados Unidos):Venceu nas categorias de melhor diretor, melhor filme e melhor atriz coadjuvante (Valentina Cortese).

"A NOITE AMERICANA"  E O ROMPIMENTO DE TRUFFAUT E GODARD.

François Truffaut e Jean-Luc Godard formaram uma dupla  que originou duas linhas onde se incluem os principais nomes do cinema autoral. Seus estilos corresponderam    a própria  definição da Nouvelle Vague . Contudo , esboçavam divergências e  a ruptura entre os dois significativos cineastas da “Nouvelle Vague” consumou-se a partir da exibição de " A Noite Americana" de Truffaut  . 

Godard  escreveu a Truffaut  a dizer tudo o que pensava do filme:    "Vi ontem A Noite Americana, provavelmente ninguém te chamará mentiroso, assim eu faço-o.» Você diz que filmes são como trens no meio da noite, mas quem pega esse trem, de que classe social, quem os conduz? […] Se você não fala do Trans-Europa, pode ser o trem da periferia, ou o de Dachau-Munique".  [2]

É com essa acusação que Jean-Luc Godard começa a carta de 1973 que daria fim à sua amizade de duas décadas com François Truffaut. “Comportamento de um merda em um pedestal”, diz o outro, em resposta não menos agressiva.

E continua Truffaut:

Você mudou sua vida, seu cérebro e, mesmo assim, continua a perder horas no cinema perturbando seus olhos. Por quê? Para achar o que alimenta seu desprezo por todos nós, para reforçar suas novas certezas? […] você detém a verdade sobre a vida, a política, o engajamento, o cinema, o amor, tudo isso é muito claro pra você e quem pensar diferente é um idiota, ainda que você já não pense em junho o que pensava em abril. [3]

Godard critica o apolitismo de Truffaut. A exceção de um tímido apoio deste  ao fim da Guerra da Argélia, o cotidiano de Truffaut passava ao largo de preocupações mais políticas ou melhor partidarizadas em torno  de um cinema engajado . Truffaut vivia a sua vida "dentro do cinema" .Ser feliz para ele  era sinônimo de " viver a realidade"  do cinema,o universo do filme

Retratando o cinema de Truffaut num contexto  social e rebatendo a critica do apolitismo  , uma leitura  possível de " Os Incompreendidos"   é uma leitura em grande parte  política também.Assim, histórias de vida, memórias , enfim sua  própria história e inscrita em sua cinematografia  vinculando seus valores à sua produção . Cada um dos filmes de Truffaut foi gravado a partir de sua  própria matéria biográfica , da com  traços  às vezes violentos e humilhantes. Truffaut tornou-se uma espécie de “militante do cinema”

Sobre Truffaut e Godard, Eduardo Escorel  resume   bem as relações entre os  dois diretores: 

"(..)  contradições e crises sucessivas, marcaram as carreiras e a relação pessoal de Truffaut e Godard. Mesmo sendo amigos próximos, eram muito diferentes um do outro. Não tinham a mesma origem social, nem o mesmo caráter, e seus filmes são de natureza distinta. Truffaut sempre procurou aperfeiçoar o domínio do artesanato, enquanto Godard dedicou-se permanentemente a reinventar o cinema. A união dos dois foi tática, respondendo à necessidade de se fortalecerem. Sustentada pelo amor ao cinema, e em interesses profissionais comuns, tiveram uma relação intensa. Quando romperam, a violência foi proporcional ao grande afeto que tinham um pelo outro. Truffaut era generoso, Godard continua dando demonstrações de mesquinharia e insolência, parecendo acreditar sempre que tudo lhe é permitido e devido. O que não impediu Truffaut de apoiar o amigo, chegando a escrever, em 1966, que 'há o cinema antes de Godard e depois de Godard'. O veredicto, vindo de um profundo conhecedor, não pode ser ignorado". [4]

O FILME

É praticamente impossível assistir a um filme de François Truffaut e não perceber o seu amor pelo cinema.  A Noite Americana  de 1973 é a história de uma filmagem ,  a de  "Je Vous Presente Pamela" e diz muito sobre o seu diretor . É  uma homenagem ao cinema .O título do filme refere-e ao nome de um  efeito cenográfico, um  truque da lente, um filtro de  imagem  que modifica as cenas rodadas durante o dia, dando-lhes um efeito de (em inglês, isso é chamado de "Day for Night"). É a parte da visão que Truffaut tinha do cinema americano: uma interessante falsidade. A Noite Americana é , a meu ver, é um dos melhores  filmes  já realizados  sobre o cinema, empatado com  " Oito e Meio"  de Felinni.

Truffaut mostra  a lenta produção e os várias atribulações pelos quais passa um filme, e junto a esse elemento metalinguístico, as histórias individuais dos profissionais do cinema são reveladas e   diretor cria  duas histórias sobre cinema -  o filme dentro do filme. Truffaut exterioriza o seu processo criativo, e inclui cenas com diálogos escritos em cima da hora, demonstrando um  perfeccionismo cênico e um grande respeito  pelo  público . Mais uma vez ao lado    de  Jean-Pierre Léaud,- o alter-ego  do diretor -, Truffaut no papel do   diretor Ferrand , vive para o cinema, deixa sempre suas paixões e prazeres particulares por último, colocando a arte em primeiro lugar. Mas além da personificação de Truffaut  ,um outro evento autobiográfico é revelado  no filme: as seqüências do sonho do cineasta, com que roubava fotografias de clássicos do cinema. é uma imagem que vai se compondo aos poucos, um menino andando pelas ruas vazias Quando surge da primeira vez, a cena nos parece deslocada e sem sentido, mas quando revela-se por completo, já ao fim da película, quando   rouba as fotos de cena de "Cidadão Kane", temos um encantamento por esse momento do filme. Mais uma vez a paixão pelo cinema aparece relacionada à vida de uma personagem. É também a prática de um dos aspectos técnicos da obra de  Truffaut, a  mis-en scene Assim, " A Noite Americana" , é o relato é autobiográfico, uma mistura de todas as histórias que Truffaut viveu ou ouviu falar .  E conforme  Rubens Ewald Filho

 Ele[Truffaut]  coloca o espectador como "voyeur" e cúmplice (revelando todos os pequenos truques das filmagens, até o fogo alimentado a gás). Se a atriz principal não consegue decorar suas falas e parece neurótica e irritante, alguém, de passagem, dará razão: seu filho esta à morte com uma doença incurável.(...) O filme é um tratado sobre aparências e realidades. Nada é o que parece, o cinema é tão falso e irrelevante, quanto a manteiga natural embalada na pia. Mas atrás de cada frase ou situação, encontra-se a verdade, muitas vezes, do ator que faz o personagem. A fita está repleta de referências, desde Valentina Cortese colando suas deixas pela sala (como costuma fazer Marlon Brando) ou sugerindo dizer apenas números com entonações significativas (como ela mesmo costumava fazer com Fellini). Ou Jacqueline Bisset, que foi descoberta em um filme em que ficava com catapora ("Um Caminho para Dois") ou Jean-Pierre Léaud, que praticamente retrata sua própria personalidade.(...) o filme é um retrato do próprio Truffaut, um ex-delinqüente juvenil, salvo da vida criminosa para se tornar "rato de Cinemateca". "A Noite Americana" é sua declaração de amor ao Cinema e seu melhor filme. [5]

NOTAS

[1]Truffaut  dedica o filme  nos créditos iniciais, às irmãs Dorothy e Lillian Gish. Dorothy Elizabeth Gish era uma atriz americana da tela e do palco, além de diretora e escritora. Dorothy e sua irmã mais velha, Lillian Gish, foram as principais estrelas de cinema mudo

[2]https://www.correioims.com.br/uncategorized/cartas-de-rompimento-entre-godard-e-truffaut-por-victor-calcagno/

[3]https://www.correioims.com.br/uncategorized/cartas-de-rompimento-entre-godard-e-truffaut-por-victor-calcagno/

[4]https://piaui.folha.uol.com.br/materia/encerramento-inconclusivo/

[5] https://cinema.uol.com.br/resenha/a-noite-americana-1976.jhtm

Viajo Porque Preciso, Volto Porque te Amo(,Karim Aïnouz, Marcelo Gomes;2010)

Indicação ,apresentação do filme e texto:Bernardo Timm

O "DARDENNE" BRASILEIRO & DON L.

INTRODUÇÃO:

 Aïnouz é um cineasta cearense da era da Retomada e Pós-Retomada. É mundialmente premiado nos mais diversos festivais, e recentemente, seu filme "Vida Invisível" (2019) ganhou Un Certain Regard (um certo olhar) este ano em Cannes. 

KARIM DARDENNE:

 Karim é sem dúvida único no cinema mundial, assim como os Dardenne, seu cinema é local, não porque não vale a pena ser visto caso não compartilhe algo com a localidade, mas sim a sua ambientação cinematográfica. O Brasil de Praia do Futuro, o Rio de Madame Satã, o nordeste de Viajo Porque Preciso Volto Porque te Amo e de Céu de Suely e até a Alemanha em Zentralflughafen THF, visto que morara em Berlim durante um tempo.

Porém, a comparação que quero trazer  com os Dardenne é em relação a profundidade e a sensibilidade do diretor. Por mais que os filmes de Luc e Jean-Pière sejam mais sociais e os Karim mais pessoais, os personagens vividos pelos atores trazem poesias puras.

    Seja no contraste trazido entre Hermila e o azul de seu céu ou no amor e nos desabamentos das estradas de Viajo Porque Preciso... etc. Há sempre algo de singelo, algo de poético, algo de único em cada filme de Karim. Com efeito, essa unidade foi muito bem apontada por Don L em seu maravilhoso disco "Roteiro pra Aïnouz vol. III"

ROTEIRO PARA AÏNOUZ:

 Gabriel da Rocha também fortalezense, de nome artístico Don L, rapper da nova escola nacional e muito aclamado na cena pelo seu trabalho. Depois de seu disco "Caro Vapor/Vida Veneno de Don L" (2011), Don L inova ao relacionar o rap ao cinema nacional e nordestino. Em seu disco, o título se justifica ao trazer um história de renovação, nostalgia, trajetória, inovação etc. em que a única pessoa que seria capaz de traduzi-la para a grande tela é Aïnouz. Don L em SE NÃO FOR DEMAIS:

"(...) Eu preciso fazer um bagulho, eu preciso disso

Eu preciso recomeçar e acabar com tudo que eu era

Eu juro que será um puta movie

Puts, a minha vida é um loop do Fight Club

Dirigido por Aïnouz

Muita treta pra Tarantino

Muito denso pra Hollywood

Muito gueto pra Kerouac

Mais Saara do que Arizona (...)"

Link para o disco: 

https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_kEnWlLjt48EclAYPUpeusXMCDQBWEZ3hY

Cinematografia de Aïnouz:

1992 O Preso Vídeo (ficção)

1993 Seams Curta-metragem

1994 Paixão Nacional Vídeo

1996 Hic Habitat Felicitas Curta-metragem

1998 Les Ballons des Bairros Curta-metragem (documentário)

2000 Rifa-me Curta-metragem

2002 Madame Satã Longa-metragem

2006 O Céu de Suely Longa-metragem

2008 Alice Série de televisão

2010 Desassossego Longa-metragem Direção de um dos seguimentos

Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo Longa-metragem Co-direção Marcelo Gomes

2011 Sonnenallee Curta-metragem (documentário) Documentário para a Sharjah Art Foundation

Destricted.br Vídeo

O Abismo Prateado Longa-metragem

Sua Cidade Empática Vídeo

2014 Cathedrals of Culture Vídeo documentário Direção do seguimento "Centre Pompidou"

Praia do Futuro Longa-metragem

Domingo Curta-metragem (documentário) [10]

Terra Prometida Vídeo Vídeo instalação (co-direção Armando Praça)

Short Plays Vídeo Direção do seguimento "Brazil"

2015 Velázquez ou O Realismo Selvagem Longa-metragem (documentário)

2018 Zentralflughafen THF Longa-metragem (documentário)

2019 A Vida Invisível Longa-metragem

Premiação:

• Prêmio Un Certain Regard no Festival de Cannes por A Vida Invisível (2019)

• Prêmio Anistia Internacional no 68º Festival Internacional de Cinema de Berlim por Zentralflughafen THF (2018)

• Segundo Prêmio Coral no Festival de Havana por O Abismo Prateado (2011)

• Prêmio de Melhor Diretor no Festival do Rio por O Abismo Prateado (2011)

• Grand Prix Coup de Coeur, 22º Rencontres Cinémas d'Amérique Latin (Toulouse/France), por Viajo porque Preciso, Volto porque Te Amo (2010)

• Prêmio de Melhor Fotografia no Festival do Rio por Viajo porque Preciso, Volto porque Te Amo (2009)

• Prêmio de Melhor Diretor no Festival do Rio por Viajo porque Preciso, Volto porque Te Amo (2009)

• Prêmio FIPRESCI no Festival de Havana por Viajo porque Preciso, Volto porque Te Amo (2009)

• Terceiro Prêmio Coral no Festival de Havana por Viajo porque Preciso, Volto porque Te Amo (2009)

• Prêmio FIPRESCI, 47º Thessaloniki International Film Festival, por O Céu de Suely [Love for Sale ](2009)

• Grand Coral no Festival de Havana por O Céu de Suely (2009)

• Prêmio de Melhor Filme no Festival do Rio por O Céu de Suely (2006)

• Prêmio de Melhor Diretor no Festival do Rio por O Céu de Suely (2006)

• Prêmio de Melhor Diretor na Associação Paulista de Críticos de Arte por Madame Satã (2002)

• Prêmio de Melhor Direção no Festival de Biarritz por Madame Satã (2002);

• Gold Hugo no Chicago International Film Festival por Madame Satã (2002);

• Prêmio de Melhor Curta-metragem no Ann Arbor Film Festival, em Michigan, por Seams (1997);

• Prêmio Vito Russo Award no New Festival, em Nova York, por Seams (1994)

• Prêmio de Melhor Curta-metragem no Atlanta Film Festival por Seams (1994).

Referências:

RFI BRASIL

< https://www.youtube.com/watch?v=Rr1Gx2cglSQ>

< https://www.youtube.com/watch?v=z0YS767UybI>

WIKI

< https://pt.wikipedia.org/wiki/Karim_A%C3%AFnouz>

DON L

< https://genius.com/artists/Don-l>

VIAJO PORQUE PRECISO VIAJO PORQUE TE AMO:

   É um filme de Aïnouz filmado em 1999, lançado em 2009 e relançado na França em 2016. Roteirizado e produzido  junto com Marcelo Gomes, o diferencial deste filme para a cena nacional trata-se da continuidade aos trabalhos de Glauber e do Cinema Novo ao trazer o nordeste ao cinema, nas palavras do diretor "trazer o nordeste de agora".

  O filme é um filme de estrada (road movie), o primeiro e único de sua carreira, é sobre a trajetória de um geólogo que visita a região à trabalho que em paralelo, transcorrem-se reflexões sobre suas condições e dramas. O questionamento desta vez é a razão e a motivação para viver. O filme não responde a primeira pergunta, mas traz um sentimento de resiliência e de motivação para a segunda que é aquele típico filme "renovador", todas aquelas estradas e lugares que são tratados com passagem pelo Brasil muito servem para comentar a direção e a duração da vida e somadas a atuação brilhante de Irandhir Santos transformam sobras de filmagens em arte. 

Foi ganhador de diversos prêmios nacionais e internacionais (Veneza, Cuba) pela sua fotografia e/ou direção, melhor filme. O grande charme deste filme é como emociona e toca o expectador apenas com a voz, visto que é um voice-over. Quem viu "Mademe Satã" e/ou "O Céu de Suely" pode novamente notar a densidade do filme  e também a transformação de músicas "bregas" à ambientação.

Premiação:

Festival de Veneza - 2009

• Em competição - Seção Orizzonti

Festival do Rio - 2009

• Melhor direção

• Melhor fotografia

Festival de Cinema de Havana - 2009

• Melhor Som

• 3º Prêmio Coral de Ficção

• Prêmio FIPRESCI – International Federation of Film Critics

Festival Santa Maria da Feira - 2009

• Melhor Filme

• Melhor Filme pelos Cineclubistas

Festival SESC Melhores do Ano - 2010

• Melhor Filme pela Crítica

Festival Internacional de Documentários de Santiago do Chile - 2010

• Prêmio Especial do Júri

Festival de Cinema Brasileiro em Paris - 2010

• Melhor Filme

• Melhor Ator (Irandhir Santos)

Festival de Toulouse - 2010

• Grande Prêmio Coup de Coeur

6º Prêmio BRAVO! Prime de Cultura - 2010

• Melhor Filme

5º Prêmio Contigo! de Cinema - 2010

• Melhor Roteiro

3º Festival de Triunfo, 2010

• Melhor Longa-Metragem Nacional

• Melhor Roteiro de Longa-Metragem

• Melhor Montagem de Longa-Metragem

• Melhor Ator de Longa-Metragem (Irandhir  Santos)

• Melhor Fotografia de Longa-Metragem

• Melhor Direção de Longa-Metragem

Referências:

< http://www.revistacinetica.com.br/viajoporquepreciso.htm>

< http://interrogacao.com.br/2010/06/critica-viajo-porque-preciso-volto-porque-te-amo/>

< https://pt.wikipedia.org/wiki/Viajo_porque_Preciso,_Volto_porque_Te_Amo>

<https://www.youtube.com/watch?v=z0YS767UybI>

CICLO DE FILMES "GRANDES DIRETORES" - FRANÇOIS TRUFFAUT- Jules e Jim (1962)

Indicação, apresentação do filme e texto: Joaquim Ferreira

JULES E JIM – UMA MULHER PARA DOIS (1962) (Jules et Jim) 
Elenco: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Vanna Urbino, Serge Rezvani, Anny Nelsen, Sabine Haudepin, Marie Dubois, Michel Subor
Roteiro: François Truffaut, Jean Gruault (baseado na obra de Henri-Pierre Roché 1 ) .
Indicado ao BAFTA de Melhor filme e atriz, para Jeanne Moreau  

AS MULHERES DE TRUFFAUT 

Um dos temas do universo cinematográfico de François Truffaut é o universo feminino. Seus filmes revelam mulheres fortes, decididas, que tomavam o controle da própria vida. 

Conforme Aline Desjardins,(1987: p. 51 apud OLIVEIRA ,2014), Truffaut afirmava que " Já fui muitas vezes acusado de retratar homens fracos e mulheres decididas, mulheres que conduzem os acontecimentos, mas eu penso que é assim que as coisas são na vida real .[2] 

O que desencadeava a ação nas narrativas era o desejo dessas mulheres como donas de seu próprio desejo, e não somente como objetos do desejo masculino. 

Sobre as mulheres de Truffaut,

(...)  elas são " antipáticas e atraentes, destrutivas e aconchegantes, dominadoras e conciliadoras, desesperadamente loucas e desesperadamente apaixonadas. A lista de qualidades das personagens femininas  (...)  em filmes de Truffaut sugere que ele foi capaz de compreender que o contraditório é um traço básico que elas compartilham com os homens!  (...)  As mulheres são vulneráveis? Elas são mais complexas do que os homens supõem? (...) levando-se em consideração os tipos femininos criados por Truffaut, a resposta é  sim. (...) a coexistência de diversas personalidades numa mulher é um padrão tão recorrente em Truffaut que o “duplo” é uma presença marcante em sua obra. Por um lado, temos os filmes onde um personagem masculino sente-se atraído por duas figuras femininas complementares. É o caso de Thérésa/Léna em O Tiro no Pianista (Tirez sur le Pianiste, 1960), Franca/Nicole em Um Só Pecado (La Peau Douce, 1964), Linda/Clarisse (interpretadas pela mesma Julie Christie) em Fahrenheit 451 (1966), Christine/Fabienne em Beijos Proibidos (Baisers Volés, 1968), Christine/Kyoko em Domicílio Conjugal (Domicile Conjugal, 1970) e Anne/Muriel em As Duas Inglesas e o Amor (Les Deux Anglaises et le Continent, 1971). Por outro lado, existem também aqueles filmes em que as mulheres possuem pelo menos duas facetas. É o caso de Catherine em Jules e Jim (Jules et Jim, 1962), Julie/Marion em A Sereia do Mississippi (La Sirene du Mississipi, 1969), Julie/Pámela em A Noite Americana (La Nuit Americaine, 1973) e Adèle/Madame Pinson em A História de Adèle H (Adèle H, 1975)..(...)   [3]

JULES, JIM E A MULHER:

O filme "Jules e Jim" foi o terceiro longa- metragem  da filmografia de Truffaut. A narrativa  é  guia obrigatório para os interessados em conhecer a história do cinema e a carreira do diretor François Truffaut. A narrativa, muito ágil,  também  ficou famosa por utilizar truques revolucionários de edição que Hollywood só usaria  décadas depois: imagens congeladas que interrompem a narrativa, telas divididas e montagem fragmentada .

O filme relata a amizade de dois homens, o tímido alemão Jules (Oskar Werner) e o extrovertido francês Jim (Henri Serre), e o amor de ambos pela mesma mulher, a ambígua Catherine (Jeanne Moreau).  Catherine casa-se com Jules. Após a Primeira Guerra Mundial  , na qual Jules e Jim combatem em campos opostos, os três amigos reencontram-se na Alemanha, onde Jules vive com Catherine, e esta apaixona-se por Jim.Os fatos tornam-se conflituosos ao longo da narrativa, tamanha a instabilidade da moça, espécie de metáfora para as mudanças nos costumes daquele momento histórico.

Com a crise dos valores tradicionais, o mundo vivia o prenuncio da libertação sexual dentro de uma crise repleta de vazio existencial. Era a Europa do inicio do século XX , a Europa da modernidade,   marcada pela Primeira Guerra . E a história do triângulo amoroso , um tipo de hedonismo,  é a opção formal do cineasta por criar/ resgatar uma "estética moral e nova", uma sabedoria da existência, um jogo onde todos os esforços devem conspirar para a maior leveza e alegria  que tornou possível o amor a três de Jules, Jim e Catherine.

Esse tipo de moral estética desenvolvido e incessantemente reconsiderada por Truffaut marcam  os aspectos culturais e sociais que prenunciavam a efervescência cultural na França, que culminou no Maio de 1968 e na ascensão do movimento feminista no mundo , a meu ver, com fortes bases na essência do existencialismo de Jean-Paul Sartre que deriva a compreensão de Simone de Beauvoir, ícone do pensamento filosófico feminista ,sobre a questão do ser mulher.  

O  diálogo de Beauvoir com o existencialismo sartriano reside na defesa  da liberdade e a autenticidade de cada ser humano como essenciais, mesmo com a angústia que tal liberdade pode nos trazer. Simone De Beauvoir procura aperfeiçoar a idéia de existencialismo de Sartre, concentrando o objeto de sua idéia na liberdade das mulheres como seres humanos e na "guerra" de intersubjetividades entre indivíduos do sexo masculino e feminino.

Desta forma, Beauvoir afirmava que as mulheres são tão capazes de escolher quanto os homens e que, portanto, podem optar por elevar-se, movendo-se para além da essência e interioridade (a  "imanência") ,a qual eram anteriormente resignadas, para alcançarem a "transcendência", uma posição em que um indivíduo assume a responsabilidade para si e para o mundo, onde se escolhe sua liberdade. 

No filme, o personagem de Catherine é apresentado como a forma do feminismo existencialista, no existencialismo humano como um todo.

Assim, Truffaut aborda um tema difícil e polêmico. Sem julgar os personagens, pode-se criar empatia pelo trio naquela relação de improvável sucesso. Amar não é fácil, e compreender a pessoa que amamos é ainda mais difícil. O amor, a amizade e o medo que todo ser humano tem de perdê-los é o fio condutor de uma narrativa  marcada também por  romantismo mas um tipo  romantismo  mais existencial que amoroso

Desta forma, o crítico de cinema Marcelo Müller conclui que 

"Os personagens de Jules e Jim: Uma Mulher Para Dois caminham cada vez mais desorientados, pois não é de sua natureza conformar-se.  As tentativas dos personagens atuarem em consonância com os ditames impostos à coletividade repercutem de maneira distinta. Uns até conseguem conviver com a infelicidade, tratando de reduzir as próprias expectativas em função da manutenção das relações, da proximidade dos que amam. Já outros, espíritos mais indóceis, caminham inexoravelmente à tragédia, diante de um cenário que não lhes é favorável, que sacrifica a complexidade do humano em detrimento de um bem-estar comum, como se fosse possível uniformizar anseios e necessidades. François Truffaut diferencia os dois caráteres do filme por meio da câmera. Em princípio, ela própria é livre para enquadramentos insólitos, para capturar momentos aparentemente banais, nos quais reside a felicidade cotidiana. Aos poucos, porém, seu olhar vai endurecendo, e o desapontamento frente aos sonhos não concretizados surge como inevitável sintoma de um tempo em que a felicidade é quase uma abstração, justo porque dela não se valorizam mais as pequenas ocorrências. " [4]

NOTAS:

 [1]O encontro de François Truffaut com a obra à época ainda ignorada de Henri-Pierre Roché (autor dos romances "Jules e Jim" e de "Duas Inglesas e o Continente", que o diretor adaptou para o cinema em 1961 e 1971, respectivamente) foi decisivo para o destino de ambos. Em 1955, quando folheava os títulos  de uma livraria parisiense, Truffaut, ainda um jovem crítico de cinema, bateu com os olhos no romance de estréia de Roché. O livro tinha sido publicado dois anos antes e passado despercebido. Chamava-se "Jules e Jim". O que mais espantou o cineasta foi o fato de um "primeiro romance" ser escrito um homem de 76 anos.

[2 ]DESJARDINS, Aline. Aline Desjardins s’entretient avec François Truffaut   1987: p. 51 apud OLIVEIRA ,2014 )

[3] OLIVEIRA, R.A. As Deusas de François Truffaut , 2014. Disponível em http://www.zonacurva.com.br/deusas-de-francois-truffaut/

[4]  https://www.papodecinema.com.br/filmes/jules-e-jim-uma-mulher-para-dois/

Mar Adentro (2004;Alejandro Amenábar)

Indicação ,apresentação do filme e texto : Reinaldo Silva

Qual a vida que merece ser vivida?

                                                    *Filme Mar Adentro

Premiações: Vencedor do Oscar 2005: Melhor Filme Estrangeiro; Indicação ao Oscar 2005: Melhor Maquiagem; Vencedor Globo de Ouro 2005: Melhor Filme Estrangeiro; Indicação Globo de Ouro 2005: Melhor Ator Javier Bardem; Festival de Veneza 2004 Grande Prêmio do Juri: Melhor ator Javier Bardem; Prêmio Goya (Espanha) 2005: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator Javier Bardem e em mais 12 categorias

Um dos filmes mais significativos da história do cinema, capaz de mobilizar reflexões e opiniões diferentes sobre um tema atual e complexo, envolvendo Família, Religião, Estado e sentimentos afetivos.

As questões são abordadas de forma direta e com uma aguda sensibilidade pelos atores. O diretor e toda equipe técnica merecem os prêmios que receberam e os inúmeros elogios por parte da crítica. A poesia está em cada cena. A frase “o cinema é a composição das imagens em movimento”, acrescento em relação a este filme: imagens em movimento com poesia. O que impressiona é o primor da fotografia, a composição narrativa, diálogos, roteiro, interpretação dos atores e atrizes, a humanização do tema central, a habilidade e o equilíbrio das cores na iluminação e nas tomadas de câmaras das cenas filmadas em locais internos, a montagem cirúrgica no corte e nas sequências das cenas. Puro talento da equipe técnica e da sua direção. Esse filme merece ser visto em câmara lenta, merece ser interrompido para que possamos observar cuidadosamente a sensibilidade artística de determinadas cenas. 

Vida é movimento. Sem movimento estamos despossuídos de liberdade. Foi se deslocando de um lado para outro que criamos a nossa estória. A vida no planeta seria diferente se não houvesse movimento. Temos total consciência de que só somos capazes de nos sentirmos livres se possuirmos a capacidade de nos movimentar. De podermos nos movimentar para abraçar amigo(a)s, segurar uma criança no colo, correr, subir em árvores, escrever, coçar os dedos dos pés e das outras partes do corpo, nadar, girar a cabeça em direção do que desperta a nossa atenção ...resumo: se não existisse movimento seríamos corpos inertes. Pense nisso por alguns segundos. 

É justamente o que será ensinado por Ramon, personagem vivido por Javier Bardem. Ele quer o compartilhar sobre a sua decisão com a Família, com instituição jurídica do Estado, com o dogma religioso representado pela igreja católica e os amores que surgem. Ramon quer que ouçam os seus argumentos. Sim, Ramon está convicto da sua decisão, ele respondeu para si a pergunta qual a vida que merece ser vivida. Ele irá se expor, partirá para o combate, tentará convencer, atrair cúmplices, quer provocar as crenças irrefletidas ao mostrar sem nenhum pudor o seu corpo. É argumentando e mostrando o seu corpo que ele desafia a todos nós a responder: qual é a vida que merece ser vivida?

Ele não será ouvido ou melhor, só será ouvido quando colocar em dúvida e para efeito de comprovação: o “verdadeiro” amor só será possível se o altruísmo de quem o ama for superado. É com essa explicação que Ramon consegue ser compreendido. O altruísmo é o seu mais violento inimigo. 

Em toda ação altruísta há egoismo. É assim que Ramon fala com os seus interlocutores que tentam persuadi-lo de que a vida que merece ser vivida não lhe pertence. 

Por que a Família, o Estado, o Padre e os amores, não entendem Ramon? É justamente o que Ramon denuncia. Nas minhas palavras é como se Ramon falasse: “deixem cair as suas máscaras, vocês são todos egoístas e querem se fazer passar de altruístas desinteressados. O entendimento que voces possuem do altruísmo só atendem aos seus interesses”.

Eles não entendem Ramon porque negam que a vida seja movimento. Por isso, Família, Estado, Padre e os amores são egoístas que se imaginam altruístas. Querem apenas manter a fachada de defensores altruístas negando e calando com a lei Ramon, quando ele comparece ao tribunal para apresentar seus argumentos sobre a vida que merece ser vivida.

Há uma cena lindíssima em que o diretor utiliza a câmara simulando o sobrevoo de um pássaro, com uma breve orquestração de acordes. Uma imagem poética relatada por Ramon, misturando imaginação e desejo. 

Para finalizar, declaro que os argumentos de Ramon me convenceram. Sou cúmplice da sua vontade. O combate de Ramon não foi em vão. Ele respondeu para si mesmo a pergunta que tem como título este comentário: qual a vida que merece ser vivida?

Marighella-Retrato Falado do Guerrilheiro (Silvio Tendler2002)

Crepúsculo dos Deuses (1950;Billy Wilder)

CICLO DE FILMES "GRANDES DIRETORES" - FRANÇOIS TRUFFAUT- Os Incompreendidos(1959)

Indicação, apresentação do filme e texto: Joaquim Ferreira

OS INCOMPREENDIDOS (1959) (Les Quatre Cents Coups ) [1]  

 Elenco: Jean-Pierre Léaud. Claire Maurier. Albert Rémy 

Roteiro: François Truffaut e Marcel Moussy.

Marco  inicial da Nouvelle Vague, narra à história de um adolescente, Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), aluno disperso, rebelde, que prefere ficar perambulando pelas ruas de Paris a ir para a escola, o que certamente é reflexo da relação conturbada que tem com sua mãe Gilberte Doinel (Claire Maurier) e com seu pai não-biológico Julien (Albert Rémy). As  únicas vezes em que o afeto é demonstrado pela família de Doinel são os momentos em que a arte é destacada como uma possibilidade de significado, inserção e mudança de  mundo .A cena na qual a família vai ao cinema e quando sua mãe afirma a importância do aprendizado da língua francesa  para a educação do menino,  caracterizam a própria vida do menino  Doinel/ Truffaut. Afinal  o protagonista de "Os Incompreendidos" é uma espécie de alter-ego do diretor francês. A semelhança entre as histórias de Antoine Doinel e François Truffaut não é mera coincidência: o diretor também tinha problemas na escola, matava aula para ir ao cinema ,fazia pequenos furtos em Paris e ficou preso num reformatório para delinqüentes. Truffaut  voltaria a trabalhar com Léaud  no personagem de  Antoine   em outros filmes durante a carreira.[2]  

Antoine Doinel não é uma pessoa necessariamente boa ou má. É um jovem, com sonhos, desejos, pensamentos e reflexões, e que pouco se adapta aos métodos tradicionais de ensino. Transmite toda revolta misturada com ingenuidade. Vale destacar, entre tantos momentos  de Léaud, seu sorriso incontido quando a psicóloga pergunta se ele já teve experiência com mulheres. Aliás, seu desempenho durante todo este diálogo é digno de aplausos, demonstrando  a simplicidade do jovem, que não enxergava nada de errado no que fazia. Doinel era apenas um adolescente que não era compreendido pelos adultos com quem convivia. 

Filmado nas ruas de Paris com realismo e sensibilidade, o longa tem o mérito de olhar para a adolescência com carinho. Truffaut evita  o melodrama quando este poderia se fazer presente, assim  como  os  potenciais momentos cômicos de  "Os Incompreendidos".

Truffaut acerta o tom da narrativa com equilíbrio, com uma  direção discreta, sem enquadramentos ou movimentos de câmera muito estilizados, a não ser algumas tomadas mais trêmulas como efeito da prática da  "câmera na mão " mas que são perfeitamente inteligíveis a partir da técnica da "mise-en-scène" . Exemplo da contenção  da câmera e de um angulo observador ,  é  a cena em que os garotos saem  em fila para  praticar exercícios pelas ruas de Paris , matando a aula sem que o professor percebesse. A escolha pela câmera afastada transforma uma cena que poderia soar engraçada em algo poético, distante e sensivelmente mais belo, graças à acertada escolha do diretor.

 A técnica da  "mise-en-scène" enfatiza o sentido  do filme e concretizada    na medida em que os planos separados podem ser justapostos numa montagem mental e subjetiva de cada espectador ao fim da exibição. Ao lembrarmos cenas do filme, uma possivelmente, no meu entender,  reveste "Os Incompreendidos" como   precursor de tem as tão sensíveis atualmente  como as instituições  disfuncionais  e suas criticas: a escola, família e  o sistema jurídico, por exemplo. Já na parte final do filme ,  na qual meninas são mostradas numa gaiola-prisão no Centro de Observação para Delinqüentes Juvenis para o olhar mais atento, possui o contraponto  na cena talvez  mais  bela de " "Os Incompreendidos" quando  Truffaut registra diversas  reações de rostos infantis  numa representação de marionetes . Inevitável a comparação entre a necessidade da arte para a superação da  repressão ao individuo. 

O  empirismo sociológico de Truffaut, marca momentos no filme nos quais o sistema escolar é questionado pela sua grande inabilidade de socializar e educar os jovens  problema também sentido na família e "corrigido" ou tentado  pelas instituições  reformadoras tangenciado pela ameaça constante  em enquadrar os jovens no sistema militar . 

O último plano de "Os Incompreendidos" reflete muito bem a solidão que o adolescente sente em muitos momentos de sua vida,  sem aparentes saídas mas com potencialidades.Ao  depara-se com o mar, imenso, desafiador , desconhecido como a própria vida,o  olhar de Antoine  deixa o final  o final aberto  para diversas interpretações.

Truffaut aparece no filme, tal qual seu mestre Hitchcock  :ele é um dos personagens que está no carrossel junto com Antoine Doniel e é o que sai da sala junto com o menino , acendendo um cigarro.

A trilha sonora nostálgica de Jean Constantin reforça o clima 

[1] Expressão popular equivalente a "pintar o sete" em português

[2] Jean-Pierre Léaud (Paris,  1944) é um ator francês. Estreou como ator de cinema aos 15 anos, no papel de Antoine Doinel,  alter-ego de  François Truffaut, em Os Incompreendidos. Protagonizou mais quatro filmes de Truffaut que mostravam a vida de Doinel, ao longo de um período de 20 anos - ao lado da atriz Claude Jade, como a sua namorada e, depois, esposa. Estes filmes são: O Amor aos Vinte Anos (1962), Beijos Roubados (1968), Domicílio Conjugal (1970) e Amor em Fuga (1979).  Léaud e Truffaut divergiram em certos momentos. Enquanto Truffaut parecia evitar o engajamento político (embora houvesse se posicionado contra a Guerra da Argélia), Jean-Pierre era um militante político. Em 1968 esteve no Brasil, no período da ditadura civil-militar, fazendo um discurso para centenas de estudantes da Universidade de Brasília, em Brasília. A cena aparece no documentário Barra 68 - Sem Perder a Ternura (2001) de Vladimir Carvalho.

Cine São Paulo (2017;Ricardo Martensen e Felipe Tomazelli)

Distribuição : Taturana Mobilização Social

CICLO DE FILMES "GRANDES DIRETORES" - FRANÇOIS TRUFFAUT

Indicação , apresentação dos filmes e texto: Joaquim Ferreira

FRANÇOIS TRUFFAUT

Nascimento: 6 de Fevereiro de 1932 

Falecimento: 21 de Outubro de 1984

Paris - França

Um dos  criadores do movimento cinematográfico conhecido como Nouvelle Vague . Os temas principais de sua obra foram as mulheres, a paixão, a infância e o cinema . Foi  também roteirista, produtor e ator. François Truffaut fez seu primeiro filme em 1955, o curta  Uma Visita, filmado em preto-e-branco e 16mm. Naquele mesmo ano, produziu o argumento de Acossado, de Jean Luc-Godard, outro importante nome da Nouvelle Vague.

FILMOGRAFIA

 1983 - De Repente,Num Domingo (Vivement Dimanche!)

1981 -A Mulher do Lado (La Femme d’à Côté)

1980 -O último metrô (Le dernier metro)

1979 -O amor em fuga (L’amour en fuite)

1978- O Quarto Verde (La chambre verte)

1977- O homem que amava as mulheres (L’homme qui aimait les femmes)

1976 -Na idade da inocência (L’argente de poche)

1975 -A História de Adèle H. (L’Histoire d’Adèle H.)

1973 -A noite americana (La nuit americaine)

1972- Uma jovem tão bela como eu (Une belle fille comme moi)

1971- As duas inglesas e o amor (Les deux anglaises et le continent)

1970 -Domicílio conjugal (Domicile conjugal)

1969 -O Garoto Selvagem (L’Enfant Sauvage)

1969 -A Sereia do Mississipi (La Sirène du Mississipi)

1968- Beijos Proibidos (Baisers Volés)

1967- A noiva estava de preto (La mariée etait en noir)

1966- Fahrenheit 451 (Fahrenheit 451)

1964 -Um Só Pecado (La Peau Douce)

1962 -Amor aos 20 anos (Antoine et Colette)

1962- Uma Mulher Para Dois (Jules et Jim)

1960 -Atirem no Pianista (Tirez Sur le Pianiste)

1959- Os Incompreendidos (Les Quatre Cents Coups)

1958-Une Histoire D'Eau(co-dirigido com Jean-Luc Godard )

1957-Les Mistons(Os Pivetes)

1955-Une Visite(Uma Visita)

  

INFÂNCIA

 Truffaut  nunca conheceu o pai biológico e foi criado pelos avós maternos - já que a mãe o rejeitara.  Com sete anos, François viu o primeiro filme no cinema.Aos 10 anos, François perdeu a avó e foi morar com a mãe, que estava casada com Roland Truffaut, um arquiteto católico que registrou  o garoto com o seu sobrenome. Foi o período mais difícil da infância de Truffaut. Rechaçado pela família ,seu espírito rebelde transformou-o em um mau aluno na escola e o induziu a cometer alguns atos de delinqüência, como pequenos furtos. Esta fase de convívio com os pais inspiraria futuramente na construção de Os Incompreendidos de 1959, longa-metragem  de estréia de Truffaut.

A paixão pelo cinema fez o jovem Truffaut fundar, em 1947, um cineclube, chamado Cercle Cinémane. numa época de enorme efervescência cultural na França do pós-Segunda Guerra Mundial.Sobre isso, dizsse Truffaut: "Naquela época na minha vida (...)o cinema agia como uma droga,ao ponto do Cineclube que fundei em 1947 ostentar o nome pretensioso  mas revelador de Cercle Cinémane( Círculo Cinemamiaco)"  [1] François Truffaut, Os filmes de minha vida, Rio de Janeiro, Nova Fronteira, 1989.pp.15

Mas o Cercle não teria vida longa, já que ele concorria com o Travail et culture, cineclube do escritor e crítico de cinema André Bazin. Quando este soube que o Cercle estava à beira da falência, foi conhecer o jovem Truffaut e, sensibilizado com o menino cinéfilo, passou a ser uma espécie de "tutor" para ele.

A NOUVELLE VAGUE

Truffaut desenvolveu seu famoso conceito de Politique des Auteurs (Teoria Autoral),  no qual a obra é considerada uma produção individual, seja ela uma canção, um filme ou um livro. Defendia que a responsabilidade sobre um filme dependia quase que exclusivamente de uma única pessoa, em geral o diretor. Para ele, o grande representante de sua teoria era o diretor britânico Alfred Hitchcock. Estilisticamente, Truffaut desenvolveu a teoria da Câmera-Stylo. O  cineasta tal qual um escritor ,"escreve" com sua câmera . algumas das características da Nouvelle Vague :  Câmera na mão, pequenos orçamentos, montagens transgressoras, filmagens nas ruas com  atores pouco conhecidos interpretando personagens marginais como criminosos, rebeldes e adúlteros ,roteiro livre e ligado a temas cotidianos e foco no psicológico dos personagens foram 

CAHIERS DU CINÉMA

Em abril de 1951 - época em que François Truffaut estava preso - foi criada a Cahiers du cinéma. F undada por André Bazin(1918-1958), influente crítico e teórico do cinema É uma das mais importantes revistas de cinema do mundo. 

 Em 1956, Truffaut foi assistente de produção de Roberto Rossellini .

Truffaut alistou-se nas Forças Armadas francesas. Arrependido ,tentou escapar  mas acabou preso por tentativa de deserção. Novamente, André Bazin intercedeu por ele e Truffaut livrou-se do serviço militar depois de dois anos, em fevereiro de 1952. Desempregado, aceitou morar com a família de Bazin e se dedicou a ver filmes e escrever artigos como freelancer.

A MISE-EN-SCÈNE

Derivado da terminologia do teatro, é  ato de encenar uma peça ou de pôr em cena um espetáculo teatral ou de dirigir um filme. André Bazin usa a expressão para descrever um estilo de direção fílmica distinto daquele conhecido como montagem. Enquanto esta deriva seu significado da relação entre uma tomada e a próxima através da edição, a "mise-en-scène" enfatiza o conteúdo da tomada ou "shot" ou "frame", Seus proponentes vêem a montagem como disruptivo para a unidade psicológica do homem com seu ambiente e citam filmes tais como "Citizen Kane", de Orson Welles, como exemplo  para o apoio aos seus argumentos. O cisma entre a "mise-en-scène" e montagem é mais profundo na teoria do que na prática: a maioria dos cineastas emprega ambos quando dirigem seus filmes. Aqui e ali algum cineasta prefere a "mise-en-scène", outros, a montagem.

A MONTAGEM NA ARTE DO FILME

O termo "montage", como é geralmente entendido hoje, está associado ao trabalho e à teoria de Sergei Eisenstein e Lev Kuleshov., na qual veio a representar o arranjo retórico de planos em justaposição, de modo que o choque ("clash") entre duas imagens limítrofes sugere uma terceira entidade independente e cria um significado inteiramente novo. americano .Eisenstein via a montagem como meio de evocar reações emocionais dos espectadores.